在西方绘画中，静物画自16世纪以来形成了自己独立的流派。一些杰出的静物画家仔细观察各种日用器皿和珍贵的食物水果，非常细致地描绘它们，使它们变得极其真实和生动。
静物画发展到现代，题材丰富，形式多样。它被许多静物画家所探索和研究，显示出其独特的艺术魅力。
Pieaertsen Pieter Aertsen飞往埃及的肉铺(1551)，木油，115.6 168.9 cm，北卡罗来纳美术馆。
西方绘画从中世纪通过处理宗教场景而发展起来。在那个时候，把一个普通的物体变成一个画面主题是不可能的。直到16世纪，一些荷兰艺术家才敢逆向创作，宗教场景成为背景，日常物品出现在画面前景。艺术史学家后来称这些画为倒置静物画。
彼得阿尔特森是这一流派的创始人之一。这个画面丰富的屠夫摊位，让神圣家族逃亡埃及的场景出现在背景中。当希律一世得知犹太人的国王出生在伯利恒时，他下令杀死城里所有两岁以下的儿童。约瑟得到一个梦的警告，带着婴儿耶稣和他的母亲玛利亚逃到了埃及。他们会一直呆在那里，直到希律王死去。阿尔特森在这里代表圣母玛利亚在这次飞行中给乞丐的孩子一片面包。
扬勃鲁盖尔年轻的勃鲁盖尔与花环和杯子静物画(约。1618年《木刻油画》，47.552.5厘米，布鲁塞尔皇家美术博物馆。
简勃鲁盖尔(1568-1625)，16世纪最重要的佛兰德画家之一。这幅画是17世纪静物画的基础，优雅的静物和花环，很少矫饰。花圈与这里的虔诚形象无关，构成原创。这可能是艺术家倚在华丽猩红杯上的新娘皇冠。珠宝散落在桌子上，让人联想到佩戴它们的事件。
构图极其优雅，每一个细节的表现都一丝不苟。桌子的创意之一是利用对角线来增强深度效果：花圈和首饰盒相对于桌子处于倾斜的位置。
花环是一个纯粹的画面创作，因为它所代表的植物种类繁多，所以不可能真正存在。布鲁格尔需要大量的工作时间。每一朵花都以极其精确的方式呈现，专家们已经全部鉴定出来。
Francisco de zurbarn Francesco de Subalang水壶静物，1650年布面油画，4684厘米，马德里普拉多博物馆
17世纪初，弗朗切斯科德苏巴朗(Francesco de Subalang)的画作和宗教场景所要求的静物，画面中静物的简约，颠覆了这一流派的历史，预言了艺术家们，尤其是夏尔丹在下一个世纪的成就。
Zurbarn没有选择奢侈品，而是选择了两个锡餐具和四个当时社交圈常见的容器。这些物品排列在木制的桌子或架子上，消失在黑色的背景中。然而，这些容器并不是随机挑选的，因为它们每一个都是来自安达卢西亚的非凡美学成就。
Zurbarn努力用光和寂静来突出这些美丽的日常物品。在这里，他采用了年轻时成功处理宗教主题的特内布里斯特公式。来自左侧的光线将优雅的陶瓷和镀金银杯带出黑夜。
Philippe de Champaigne Philippe de Champaigne vanit(约1671年)木质油画，28 37 cm，勒芒特塞博物馆。
菲利普德尚佩恩是一位宗教场景画家，也是一位伟大的肖像画家。他的作品中很少有静物。佛兰德人菲利普与詹森主义者关系密切，认为在生命的尽头，我们尘世生活的虚荣心对我们意义重大。
这些真的是寓意静物。它象征着死亡和人类存在的空虚。沙漏唤起时间无情的流动，花瓶里的花很快就会枯萎。至于人，他很快就会变成一具骷髅。基本上，画家让人明白，只有宗教许诺的永生才值得思考。
让西蒙夏尔丹让西蒙夏尔丹银杯(约1768年)布面油画，3341厘米，巴黎卢浮宫。
让西蒙夏尔丹一生都在追求静物艺术、流派场景和肖像。
它对前几个世纪夏尔丹的象征性静物画造成了致命的打击。以前的艺术家使用象征性的意图来创造他们的静物。相反，夏尔丹想让我们感受这些物品的美。过去绘画技法的局限性依然存在：光线和物质必须转移到画布上。但目标不同了：夏尔丹现在正试图向我们传达他的世界观。哪怕是几个水果，一个银杯都无所谓。就像他自己说的，“我们用颜色，但我们用感情绘画。”
保罗塞尚《苹果和橘子》(约1899年)布面油画，7493厘米，奥赛博物馆。
从他的职业生涯开始，保罗塞尚就画静物画。经过几十年的发展，进化很重要。055-79000代表了塞尚在这一领域的艺术巅峰。这位被认为是前立体派画家的画家，对空间分析特别感兴趣。在这里，他打破了传统的物品摆放方式，将物品放在一张向我们倾斜的桌子上。这种不稳定的平衡与隐藏桌子突出水果的面料混乱有关。他们的灯光在皱巴巴的桌布的白色背景下非常显眼。
艺术家组织的混乱和他们明显不稳定的选择质疑了观众的欣赏能力。我觉得观众应该掉果子了，但是明显稳了。对空间的主观感知取代了它古老的几何表达，透视消失了。
文森特梵高《铜瓶皇冠》(1887)布面油画，7461厘米，巴黎奥赛博物馆。
“贝母是一种球茎植物。像郁金香一样，春天开花。所以很容易推断出梵高在一年内做了什么：他在010年到31019年间画了这幅画。它所代表的物种是19世纪末在法国和荷兰花园中栽培的帝王贝母。它是一种橙红色的花，茎很长，每个球茎开三到十朵花。所以梵高为了制作这束花，只用了一两个灯泡，这些灯泡的切花就放在一个铜花瓶里。
梵高住在巴黎，画这幅画时与保罗西格纳克关系密切。因此，注意到梵高在作品中运用了新印象主义绘画的一些原理也就不足为奇了，其中Signac就是主要代表之一：画的背景采用点彩笔法，以对比鲜明的互补色蓝色和橙色为主。但新印象主义理论的影响仍然有限。分割的触感只用于特定的表面，互补色的发挥完全不限制梵高对色彩的选择。最后，通过选择静物，他脱离了修拉和他的追随者的主题。
画家埃米尔伯纳德(Emile Bernard)后来回忆说，梵高当时在追求塞格托里，塞格托里在克里希大道经营一家名为Tambourin的咖啡馆，向他提供“不朽”的花卉静物画。多亏了这些彩绘花束，比如这一束，它将很快成为一件艺术品
《皮埃尔勃纳尔，鸢尾和丁香》，皮尔博纳尔(1920)油画《鸢尾和丁香》，57 63厘米，图卢兹宾巴基金会。
鸢尾通过色彩对比和优雅起伏的树叶吸引画家，这是梵高在1889年创作《苹果和橘子》时所强调的。博纳尔主要利用梵高的色差，尤其是黄色和紫色的互补色。然而，当梵高在普罗旺斯圣雷米疯人院的花园里画一个花坛时，博纳尔创作了一幅半透明的静物画，形状交叉，给了它们强烈而轻盈的存在感。
胡安格里斯，胡安格里斯《杂志和果盘》(1916)，杂志和果盘布面油画，92 60cm，耶鲁大学美术馆。
胡安格里斯是出生于马德里的西班牙画家，在马德里生活和工作。从010年到31019年，他的大部分活动都在法国。他的作品与创新艺术流派立体主义密切相关，是这一运动最具特色的作品之一。
立体派不再寻求表现现实，而是希望创造一种独立的影像语言，这种语言可以从观察到的现实中获得灵感，也可以脱离现实，变得抽象。它是一种形式或体积的组合，具有非常明显的设计和阴影获得的透视效果。
如果报纸上明确标识了这张静物，你一定要看标题才能明白里面含有水果。胡安格里斯的主观成就是别人无法认可的。没关系，因为几何形状和颜色的排列自然会被认为是成功的。
拉尔夫戈因斯《拉尔夫鬼魂与胡椒静物》(1981)布面油画，132 96 cm，私人收藏。
美国艺术一直保持着强烈的现实主义传统。拉尔夫戈因斯非常关注快餐店完美的内部或外部，以及与这些地方供应的食物相对应的静物。通过艺术家独特的凝视，日常生活再次变成了一件艺术品。但是完全流畅的画面，冰冷的感觉，却让我们看到，我们并没有那么快乐和充实。
