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1、先抛出一个问题
我们知道，一件好的平面设计作品，除了符合甲方对功能的需求外，还必须迎合甲方的审美偏好，才能顺利完稿。设计师往往通过点线面体的设计法则，遵从于对构图和色彩的使用习惯来进行设计。会发现当一顿操作猛如虎之后，交给甲方却又是无休止地改改改。而当你发现甲方却感觉改完很不错时，又不是你想要的效果。设计师全程处于懵逼状态在为甲方工作着。我们不经要问，难道那些设计规则都失效了么？
2、审美的前世
上一期我们讲过美学的基本认知，人类早期伟大的哲学家们对美的本质问题争论不休，直到康德的出现，他将美学解构，从认识论和伦理学的角度，层层刨析，得出美是无功利的纯粹形式。其实康德之后，叔本华也提出了美的无功利性，当审美对象是一种理念上的纯粹主体，则会产生审美愉悦快感。叔本华提出唯意志论，认为人的美感是由意志投射到所在对象，艺术可以改变，激发生命的创造力，将文学艺术的最高境界认为是悲剧艺术，认为美的艺术能够化解悲剧的痛苦。然后就是到了尼采这里，人们之前总认为尼采是伟大的段子手，诸如：“凡是杀不死我的，都能使我变得更加强大”，“当你凝视深渊的时候，深渊也在凝视着你”，“世界本没有路，走的人多了就成了路”等等，都出自尼采的版权。他早在1872年在《悲剧的诞生》中也借鉴了叔本华的哲学观，在他以后的理论中阐释美的感官体验，并批评苏格拉底的理性主义思想，认为美就是无意识、没有功利的。
3、集体无意识创造了伟大作品
再之后，人们又发现美确实还具有某种普遍性，荣格在这一点上作出了重要贡献。荣格的老师是弗洛伊德，而弗洛伊德的精神分析美学认为美是一种个体的无意识，荣格推翻了弗洛伊德的观点，认为美是具有普遍的集体无意识。也就是说，你感觉好看的东西，可能不是出自于你本身特有的，而是受到了社会中普遍认知的影响。荣格也是提出性格有内向和外向的思想家，进一步分析强调艺术类型分为具象和抽象，也具有内外向特质，具有内向特质的艺术，艺术家可以掌控艺术作品，而具有外向特质的艺术，艺术家不能掌控其作品的理念，提出集体无意识就是具有外向型特质的艺术作品，而创作者只是集体无意识的代言人罢了（说白了就是你的意识可能并不受你掌控），这是关于精神分析美学的部分，深究起来可以写本书。
历史上，可以称之为大作的作品，基本都是深受大众认可和喜爱的，才会口碑相传保留至今，若仅从个人审美出发没有得到大众的共鸣，其作品也无法被世人所接受和传承，也只能孤芳自赏。由此想到在做设计的时候，很多设计者会停留在自我陶醉当中，会坚持自己的艺术理念，其实不可取。所以，只有大众普遍接受和喜爱的艺术作品才是好的作品。
4、学美学到底有用么
回到开头那个问题，简而言之设计规则其实并没有失效，它们是之前人类审美理论指导下的产物，代表着某种艺术风格，只不过是后人将这些规则混搭了，才会出现一些不伦不类的设计，才会不过稿吧！最具代表的就是后现代主义，有些学者称之为‘美国艺术’，实质属于上世纪美国政治霸权下的产物，现在却成了潮流风向标，很多设计师在模仿，包括本人在内。这说来话长，以后有机会会写篇专题文章来探讨。
学习美学可以在某个特殊历史时期，指导人们创作出鼓舞士气的艺术作品，通过艺术作品的表现来激励一个民族的正能量。比如：武汉加油的海报作品。当欣赏一件艺术作品时，往往会不知所云，具备美学思维，就可以与原创者产生审美共鸣，从而更好地帮助欣赏，并看懂艺术作品。换句话说，艺术作品可以激励生活意志，美学可以指导创作艺术作品。
下期，我们来探讨一下 ‘为什么甲方总爱折腾，及如何破解’ ，会有更深入的学习哦！
